RodtGod – Tales From Beyond The Tomb

RodtGod bezeichnet diese Musik selbst als „Health Metal“. Der Begriff klingt zunächst wie ein augenzwinkernder Werbespruch, trifft den Kern des Albums aber erstaunlich genau. Die Musik ist hässlich, schwer und rau, ihre Absicht hingegen heilsam. C. beschäftigt sich mit Depression, Verlust, Selbstzweifeln, alten Verletzungen, Suizidgedanken, der schwierigen Arbeit am eigenen Inneren und der Frage, wie man trotz allem einen nächsten Schritt schafft. Die Dunkelheit wird weder romantisiert noch als dekorative Pose benutzt. Sie ist Ausgangspunkt eines Prozesses, an dessen Ende nicht zwingend Erlösung, aber zumindest Bewegung stehen kann.

Diese Bewegung ist entscheidend. »Tales From Beyond The Tomb« versteht Doom Metal nicht als permanenten Stillstand. Die tief gestimmten Gitarren können zäh über den Boden schieben, der Bass kann wie ein unterirdischer Puls arbeiten und das Schlagzeug kann in schweren, gemessenen Schritten vorangehen. Trotzdem bleiben die Arrangements dynamisch. Melodische Gitarren, klare Zwischenspiele, Stoner- und Desert-Rock-Farben, kurze Death-Metal-Verschärfungen, verhallte Klangflächen und Wechsel zwischen Growls, verzerrtem Sprechgesang und klareren Stimmen verhindern, dass die Platte zu einer einzigen grauen Masse gerinnt.

Aufgebaut auf einem massiven Fundament aus wuchtigem Schlagzeug und einer auffallend präsenten Bassgitarre, schichten sich die Gitarren zu breiten, körnigen Wänden. Die Produktion trägt deutlichen DIY-Charakter, ohne unfertig zu wirken. Nicht jedes Detail ist klinisch ausgeleuchtet; manches steht bewusst im Nebel, manches wird von Hall, Verzerrung und tiefer Stimmung verschluckt. Gerade dadurch entsteht die klaustrophobische Atmosphäre. Gleichzeitig wäre an einigen Stellen etwas mehr instrumentale Präsenz willkommen gewesen, denn der Gesang sitzt häufig sehr weit vorne und drängt die Gitarren gelegentlich tiefer in den Hintergrund, als es ihre Riffs verdient hätten.

VOM NEBENPROJEKT ZUR EIGENEN IDENTITÄT

RodtGod entstand ursprünglich, um ungenutztem Material aus dem Umfeld von Pissbucket ein Zuhause zu geben. Aus diesem pragmatischen Anfang entwickelte C. jedoch eine eigene Sprache. »New Doom Rising« von 2020 und »Know Your Pain, Pick Your Poison« von 2022 verbanden Doom, Sludge, Death Metal und Stoner-Einflüsse bereits mit schwarzem Humor. Die EP »Graveside Service« schlug 2023 einen ernsteren und stärker nach innen gerichteten Weg ein. Das neue Album führt beide Seiten zusammen.

Das ist wichtig, weil »Tales From Beyond The Tomb« weder reine Therapiesitzung noch bloße Groteske sein will. Die ersten elf Stücke zeichnen eine nachvollziehbare Bewegung durch Erinnerung, Wut, Trennung, Angst, Selbstzerstörung, Widerstand und vorsichtige Hoffnung. Danach kommt ein vierminütiger Entenritus. Dieser Bruch könnte jede sorgfältig aufgebaute Stimmung ruinieren. Bei RodtGod wirkt er wie die konsequente Erinnerung daran, dass ein Mensch auch dann lachen darf, wenn er gerade sehr ernst über sein Leben nachgedacht hat.

Musikalisch kommt dem Album zugute, dass alles aus einer Hand stammt. Gitarren, Bass, Rhythmus und Gesang folgen derselben inneren Logik. C. muss keine unterschiedlichen Bandegoismen ausbalancieren, sondern kann jede Spur auf die emotionale Funktion eines Songs zuschneiden. Das Ergebnis klingt nicht steril perfektioniert, aber geschlossen. Wiederkehrende Motive – Wasser, Wetter, Himmel, Zeit, Gräber, Schatten und die Aussicht auf einen nächsten Morgen – verbinden auch die Texte zu einem losen Zyklus.

HOURGLASS: VERLOREN IM SAND DER ZEIT

Der siebeneinhalbminütige Opener »Hourglass« liefert sofort das klangliche Vokabular der Platte. Stark verzerrte und mit Hall überzogene Stimmen tauchen aus dem Hintergrund auf, wirken zunächst wie eine beschädigte Übertragung und sinken allmählich in tiefe Growls. Die Stimme transportiert Abscheu, Erschöpfung und innere Unruhe, bleibt dabei aber weitgehend verständlich. Darunter pulsiert eine Basslinie, die dem Song selbst in seinen langsamsten Momenten Bewegung verleiht.

Die Instrumente stehen anfangs etwas hinter der vokalen Inszenierung. Das kann den Wunsch nach einem noch mächtigeren Gitarrenschlag wecken, dient aber der bedrückenden Perspektive des Songs. »Hourglass« klingt, als würde die Musik aus einem engen inneren Raum nach außen drängen. Erst im weiteren Verlauf öffnen melodischere Passagen die Komposition. Der Übergang wirkt nicht wie ein abrupter Stilwechsel, sondern wie ein kurzer Blick aus dem Dunkel, bevor die verzerrten Stimmen des Beginns wiederkehren und den Kreis schließen.

Textlich geht es um das Gefühl, als verlorenes Sandkorn aus der eigenen Zeitlinie gefallen zu sein. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft lassen sich nicht mehr zuverlässig voneinander trennen. Erinnerungen werden zum Gepäck, aus dem Inneren frisst etwas weiter, und selbst die Suche nach einer besseren Version der eigenen Person droht in Wahnsinn umzuschlagen. C. formuliert das in surrealen Bildern statt in nüchternen Bekenntnissen. Dadurch wird »Hourglass« zum passenden Portal für das Album: persönlich, aber nicht eindimensional autobiografisch; schwer, aber nicht bewegungslos.

LETTER OF THANKS: VERGEBUNG OHNE VERKLÄRUNG

»Letter Of Thanks« beginnt mit einer ruhigen, stark verhallten Gitarrenmelodie. Der Ton wirkt beinahe tranceartig, bis sich einfache, wirkungsvolle Schlagzeugschläge und immer breiter verzerrte Gitarrenspuren darunterlegen. Wenn die tiefen Vocals einsetzen, ist die Schwere vollständig da. Vereinzelte klare Gesangspassagen sorgen für Kontrast, ohne den düsteren Grundton zu verdrängen.

Der Song ist kein sentimentaler Dankesbrief. Er blickt auf eine vergangene Beziehung, auf Hass, Verletzung und die lange Nachwirkung alter Gewohnheiten. Entscheidend ist die veränderte Perspektive: Nicht das frühere Selbst soll bestimmen, sondern das, wozu ein Mensch herangewachsen ist. Vergebung bedeutet hier weder Vergessen noch nachträgliche Beschönigung. Sie bedeutet, dem vergangenen Schaden nicht länger die alleinige Kontrolle über die Gegenwart zu überlassen.

Die lange Form von 7:41 Minuten gibt dieser Entwicklung Raum. RodtGod baut nicht auf einen einzigen großen Refrain, sondern lässt die Stimmung in Wellen wachsen. Ruhige Gitarre, schwere Instrumentierung, Growls und klarere Momente erscheinen wie unterschiedliche Stadien desselben Gedankens. Besonders der erneute Griff nach der hypnotischen Atmosphäre des Anfangs lässt das Stück geschlossen wirken. »Letter Of Thanks« ist damit ein frühes Schlüsselstück und eine gute Erklärung für den Begriff Health Metal: Die Musik belastet den Körper, während der Text versucht, seelischen Ballast abzulegen.

LETTING GO: KURZFORM DER LANGEN TRENNUNG

Nach zwei ausladenden Eröffnungsstücken verdichtet »Letting Go« das Konzept auf 3:44 Minuten. Diese Kürze tut der Dramaturgie gut. Der Song wirkt wie eine schmerzhafte Zwischenbilanz: Antworten sind gekommen, allerdings zu spät und ohne den erhofften Wert. Die andere Person lässt sich nicht halten, das Gefühl verschwindet trotzdem nicht, und jeder Versuch des Loslassens bleibt zunächst unvollständig.

RodtGod arbeitet hier direkter. Statt den Gedanken sieben Minuten lang durch große atmosphärische Bögen zu führen, steht die innere Blockade im Mittelpunkt. Die Kompaktheit verstärkt den Eindruck, in einer Gedankenschleife festzusitzen. Gerade deshalb besitzt das Stück eine andere Art von Schwere als die monumentalen Doom-Passagen: Es zermürbt nicht durch Länge, sondern durch Wiederkehr.

Bemerkenswert ist der Verzicht auf eine bequeme Lösung. Der Text gesteht ein, dass Wahrheit verletzen kann und dass man möglicherweise Zeit an etwas verloren hat, das keinen Ertrag bringt. Trotzdem wird das Schreiben selbst zum Widerstand gegen das Verschwinden. Die Worte sollen bleiben, auch wenn die Beziehung es nicht tut. Damit verbindet »Letting Go« Trennung und kreativen Überlebenswillen.

WATERS: ERTRINKEN, TREIBEN, HEIMKEHREN

»Waters« beginnt mit einer klaren Gitarrenfigur, deren einzelne Töne an fallende Wassertropfen erinnern. Für einen kurzen Moment herrscht Ruhe. Dann brechen langsam mahlende Gitarren, kontrolliert schwere Drums und eine deutlich hervortretende Basslinie über die Szene herein. Das ist Doom Metal als physischer Wasserdruck: nicht hektisch, aber unnachgiebig.

Die Bildsprache des Textes zieht das konsequent weiter. Beton, kalte Nächte, gebrochene Knochen, Flut, Regen, Flussufer und Luftdrucksysteme werden zu Koordinaten eines Menschen, der zwischen Untergehen und Heimkehr schwankt. Das Wasser soll Schmerz fortspülen, kann aber ebenso ertränken. Der Song hält diese Doppeldeutigkeit aus. Trost und Gefahr sind dasselbe Element, nur in unterschiedlicher Bewegung.

Die klaren Gesangspassagen werden vermutlich polarisieren. Sie öffnen die ansonsten bedrückende Klanglandschaft, besitzen aber nicht dieselbe zwingende Präsenz wie die Growls und können die Immersion kurz unterbrechen. Dieser kleine Bruch ist hörbar, beschädigt den Song jedoch nicht grundlegend. Zu stark sind der Bass, die langsame Gitarrenarbeit und die sorgfältig aufgebaute Atmosphäre. »Waters« gehört zu den kompositorisch durchdachtesten Stücken des Albums, weil Klang, Tempo und Text dasselbe Bild aus verschiedenen Richtungen formen.

CLOUDS ARE FOREVER: DAS BLEIBENDE ÜBER DEM VERGÄNGLICHEN

Mit »Clouds Are Forever« wird RodtGod melodischer und zugänglicher, ohne die Schwere abzugeben. Der Song arbeitet mit einem klarer erkennbaren Leitgedanken und gehört zu den Stücken, die sich schneller im Gedächtnis festsetzen. Wolken erscheinen als dauerhaftes Gegenbild zum Menschen: Sie bleiben im Kreislauf, während wir selbst auf Beständigkeit hoffen und sie niemals besitzen.

Der Text pendelt zwischen vernichtender Bestandsaufnahme und vorsichtiger Selbstbehauptung. Die Welt drückt, Erinnerungen landen im gedanklichen Schredder, vieles erscheint entweiht oder verschwendet. Trotzdem steht dort auch die Aufforderung, die Last zu greifen und zu etwas Eigenem zu machen, Nacht in Tag zu verwandeln und vergängliche Momente gerade wegen ihrer Begrenzung anzunehmen.

Diese Spannung spiegelt das ganze Album. Hoffnung wird nicht als sonniger Gegenentwurf zur Dunkelheit präsentiert. Sie wächst innerhalb der Dunkelheit und muss deren Gewicht tragen. »Clouds Are Forever« bringt diese Idee auf eine vergleichsweise kompakte Form und funktioniert deshalb als melodischer Mittelpunkt der ersten Hälfte.

THINGS COULD BE WORSE: KEIN BILLIGER TROST

Der Titel »Things Could Be Worse« klingt nach jener wenig hilfreichen Floskel, mit der ernstes Leiden gerne relativiert wird. RodtGod dreht den Gedanken jedoch um. Der Song spricht nicht von außen auf Betroffene ein, sondern aus der Erinnerung eines Menschen, der selbst an einem Punkt stand, an dem das eigene Leben beendet werden sollte. Dass ein anderer Weg gefunden wurde, ist kein Triumphzug, sondern ein Erfahrungsbericht.

Im Zentrum stehen unbekannte und unbesungene Heldinnen und Helden: Menschen ohne Poster, Bühne oder gesellschaftlichen Glanz, die sich dennoch für das Weitergehen entscheiden. Das Lied gewinnt seine Kraft aus dieser Bodenständigkeit. Widerstand bedeutet nicht, unverwundbar zu sein. Er bedeutet, an der Weggabelung nicht in Einzelteile zu zerfallen und trotz Schmerz die eigene Form zu bewahren.

Musikalisch hält C. die Nummer mit gut vier Minuten konzentriert. Der Groove trägt stärker als der reine Doom-Sog, wodurch der Text eine vorwärtsgerichtete Bewegung erhält. Wo »Letting Go« die Gedankenschleife beschreibt, setzt »Things Could Be Worse« einen Fuß vor den anderen. Das ist keine Verharmlosung von Verzweiflung, sondern eine nüchterne Form der Solidarität.

NIGHT TERRORS MORNING HORRORS: WENN DER TAG NICHT RETTET

»Night Terrors Morning Horrors« gewährt nur einen kurzen Augenblick der Ruhe, bevor rostig-scharfe Gitarrentöne und marschartige Drums einsetzen. Der Song trägt mehr unmittelbaren Vorwärtsdruck als viele Stücke der ersten Hälfte. Die Vocals bleiben dunkel und aggressiv, wirken aber nicht wahllos wütend. Jeder Ausbruch hat einen erkennbaren Zweck.

Der Titel zerstört die vertraute Vorstellung, dass der Morgen automatisch Erlösung bringe. Auf den nächtlichen Schrecken folgt ein neuer Tag, dessen aufsteigender Geist ebenso dunkel sein kann. Glasscherben pflastern den erhofften Weg zu besseren Zeiten, tote Bäume verdecken den Leitstern, und jeder Schritt vorwärts zieht zwei zurück. Die Bilder sind drastisch, bleiben aber in der inneren Logik des Albums verankert.

Sehr wirkungsvoll ist die Verbindung von Zeit und Verfall. Am Ende werden Uhren begraben, um das Vorrücken ihrer Zahnräder zu stoppen. Damit greift der Song das Motiv von »Hourglass« wieder auf, verschiebt es aber vom verlorenen Sandkorn zur aktiven Sabotage an der Zeitmessung. Musikalisch öffnet »Night Terrors Morning Horrors« die zweite Albumhälfte mit der nötigen Härte und verhindert einen vorzeitigen Spannungsabfall.

SHADOW WORK: ARBEIT AM EIGENEN DUNKEL

»Shadow Work« formuliert die Idee des Health Metal am deutlichsten. Selbstzerstörerische Muster lassen sich nicht einfach abschalten. Wahrnehmung, Beleidigungen von außen, innere Leere und die Illusion von Kontrolle schreiben immer neue Versionen derselben Geschichte. Der Song fordert deshalb keine Verdrängung, sondern bewusste Auseinandersetzung.

Die wiederkehrenden Aussagen über Himmel, Sturm und eigene Energie besitzen fast mantraartigen Charakter. Entscheidend ist die Trennung zwischen dem Menschen und dem Ereignis: Du bist der Himmel, nicht der Sturm. Das ist eine einfache, aber wirkungsvolle Metapher für die Möglichkeit, Gedanken und Schmerz wahrzunehmen, ohne vollständig mit ihnen identisch zu werden.

RodtGod hält die musikalische Struktur vergleichsweise geradlinig. Rhythmische Wiederholungen geben den Worten Nachdruck, während die dunkle Grundfarbe erhalten bleibt. Statt plötzlicher Erlösung entsteht ein allmähliches Aufrichten. Die Musik wird nicht freundlich, nur weil der Text Widerstand entwickelt. Gerade diese Konsequenz bewahrt »Shadow Work« vor der Wirkung eines musikalischen Selbsthilfeslogans.

FEAR OF THE END: STURM, ABSCHIED UND HEAVY-METAL-ERINNERUNG

Der Beginn von »Fear Of The End« lässt offen, ob in der Ferne ein Gewitter grollt oder eine beschädigte Radioübertragung knistert. Das Geräusch wird nicht als bloßer Effekt vorangestellt, sondern geht fließend in den Song über. Danach treten melodische Gitarren stärker hervor und erinnern stellenweise an traditionelleren Heavy Metal, ohne dass das schwere Fundament verschwindet.

Der Text beschreibt Abschied als atmosphärisches Ereignis. Donner, Dampf, Weihrauch, Schnee, Luftmassen und ein neuer Morgen bilden ein meteorologisches System der Trauer. Die Angst vor dem Ende soll die Uhren stoppen, doch gerade der anbrechende Tag wird zum Träger des Verlusts. Diese Umkehr ist stark: Nicht die Nacht nimmt etwas fort, sondern die Gewissheit, dass eine neue Morgendämmerung ohne das Verlorene existieren wird.

In den Schlussminuten bekommt das Stück eine beinahe nostalgische und außerweltliche Färbung. Die Gitarren lösen sich stärker aus dem reinen Sludge-Druck, die Atmosphäre wird weiter, und trotzdem bleibt die Schwerkraft spürbar. »Fear Of The End« ist eines der Albumhighlights, weil RodtGod hier Melodie, Doom-Gewicht und bildhafte Sprache besonders ausgewogen zusammenführt.

ADIABATIC: EIN GESCHLOSSENES SYSTEM UNTER DRUCK

Der Begriff „adiabatisch“ bezeichnet einen Prozess ohne Wärmeaustausch mit der Umgebung. Als Songtitel passt er auffallend gut zu einem Album über innere Isolation. Ein geschlossenes System kann seine Energie nicht einfach nach außen abgeben; Druck, Arbeit und Temperatur verändern es von innen. RodtGod nutzt diese physikalische Idee als starkes Bild für einen Menschen, der in den eigenen Gedanken eingeschlossen ist.

Der Text wendet sich direkt an eine Person, die beschlossen hat, ihre Tage zu beenden. Dabei vermeidet C. falsche Leichtigkeit. Der Weg zurück wird ausdrücklich als schwierig bezeichnet. Schuld erscheint als Geist, der wieder verschwinden kann, und selbst der kleinste greifbare Halt soll erfasst werden, während das Leben vorbeizieht. Der entscheidende Gedanke lautet nicht, dass alles gut werde, sondern dass es kaum etwas Lohnenderes gebe, als sich von dem Punkt aus wieder vorzuarbeiten, an dem der Fall begonnen hat.

Musikalisch lebt »Adiabatic« von Druck und Entlastung. Schwere Passagen ziehen das System zusammen, offenere Stellen geben den Worten Luft, ohne die Spannung vollständig abzuleiten. Dadurch wird die Struktur selbst zur Entsprechung des Titels. Das Stück gehört zu den emotional anspruchsvollsten Momenten der Platte und zeigt, wie ernst RodtGod den heilsamen Teil des selbst gewählten Genrebegriffs nimmt.

ALL IS NOT LOST: DER WILLE ALS LETZTE SPUR

»All Is Not Lost« greift viele Bausteine der vorherigen Stücke erneut auf: bestimmende Vocals, schwere Instrumentierung, melancholische Melodien und einen ausgedehnten Spannungsbogen. Was auf dem Papier nach Wiederholung klingt, verstärkt im Albumfluss die Geschlossenheit. Das Stück fühlt sich wie eine Zusammenfassung des bis dahin zurückgelegten Weges an.

Der Mensch erscheint zunächst als kleines Zahnrad einer riesigen Maschine. Jahre wurden damit verbracht, Probleme bis zu ihrer Wurzel zu verfolgen. Trauer, alte Antworten und wiederkehrende Zyklen sollen schließlich mit einem Meißel am Grabstein unterbrochen werden. Solange die schwächste Spur von Willen vorhanden ist, ist nicht alles verloren. Diese Aussage ist der emotionale Zielpunkt des Albums.

Wichtig bleibt die Offenheit des Endes. Hinter der letzten Wegstrecke wartet das, was man sich erträumt hat – oder wenigstens eine Entschuldigung. Das ist typisch RodtGod: Selbst im hoffnungsvollsten Moment bleibt ein Rest trockener Ernüchterung. Der abschließende Gedanke, dass man ohne Versuch niemals Gewissheit bekommt, wirkt gerade deshalb glaubwürdig. »All Is Not Lost« schenkt keine Garantie, sondern eine Handlungsoption.

DIE MÄCHTIGE WELTRAUMMOLCH-BESCHWÖRUNG

Dann kommt »Unfathomable Duck Invocation Of The Mighty Space Newt«. Nach mehr als einer Stunde innerer Arbeit eröffnet das Finale mit einem Chor aus Entenquaken, der tatsächlich nach einer Aufnahme an einem ruhigen Gewässer klingt. Langsam tauchen beschädigte, stark verzerrte Stimmen auf, als würde ein altes Tonbandgerät seine letzten Umdrehungen schaffen. Ein eingesprochener Ausschnitt informiert zwischendurch sogar über bevorzugte Entennahrung.

Etwa zur Hälfte wächst daraus eine sonderbare Verbindung aus massiver Schwere, atmosphärischen Passagen, kaputter Sprachübertragung und beharrlichem Gequake. Schließlich wird der mächtige Space Newt angerufen. Objektiv betrachtet ist das vollkommen absurd. Innerhalb der RodtGod-Welt ist es jedoch die logische Rückkehr des Humors, der auf »Graveside Service« zeitweise zurückgenommen wurde und nun wieder seinen Platz behauptet.

Ob dieser Abschluss gefällt, hängt davon ab, wie streng man die vorherige emotionale Dramaturgie geschützt sehen möchte. Wer nach »All Is Not Lost« einen würdevollen instrumentalen Abspann erwartet, wird vermutlich irritiert sein. Wer RodtGod als Ganzes versteht, erkennt darin eine letzte Befreiung: Nach all den Gräbern, Schatten, Abschieden und Überlebenskämpfen darf das Album vier Minuten lang den Unsinn feiern. Der Humor nimmt den ernsten Liedern nichts weg. Er verhindert vielmehr, dass Ernsthaftigkeit mit Erstarrung verwechselt wird.

DIE PRODUKTION: RAUHEIT MIT FUNKTION

»Tales From Beyond The Tomb« besitzt keine spiegelglatte Hochglanzproduktion. Das würde zu dieser Musik auch nicht passen. Gitarren und Bass haben eine körnige, körperliche Textur, das Schlagzeug setzt eher Gewicht und Richtung als technische Selbstdarstellung, und die Stimme wird häufig als zusätzliche Verzerrungsfläche behandelt. Hallräume und Soundeffekte gehören zur Komposition, nicht zur nachträglichen Verzierung.

Der Bass verdient besondere Erwähnung. Gerade in »Hourglass« und »Waters« trägt er die Stücke mit einem eigenen Puls, statt lediglich die tiefsten Gitarrentöne zu verdoppeln. Das Schlagzeug arbeitet meist kontrolliert und zweckmäßig. Marschartige Figuren, schwere Einzelschläge und geradlinige Grooves passen besser zu diesen Songs als permanente Fills oder künstliche Virtuosität.

Die Gitarren wechseln zwischen mahlenden Sludge-Riffs, schleppenden Doom-Akkorden, melodischen Öffnungen und traditionelleren Heavy-Metal-Linien. Death Metal erscheint vor allem in der vokalen Härte, der dunklen Harmonik und einzelnen aggressiveren Verdichtungen. Stoner- und Desert-Rock-Spuren verleihen dem Material eine trockene Beweglichkeit, die verhindert, dass die langen Stücke vollständig im Zeitlupentempo versinken.

Nicht jede Entscheidung überzeugt gleichermaßen. Der weit vorne platzierte Gesang nimmt den Instrumenten gelegentlich Wirkung, und manche klare Passage besitzt weniger Charakter als die tiefen, verzerrten Stimmen. Außerdem folgen mehrere Songs einem ähnlichen Weg von ruhigem oder atmosphärischem Beginn zu schwerer Verdichtung. Über 67 Minuten wird dieses Grundmuster erkennbar. Die sorgfältigen Details, die wechselnden Laufzeiten und die lyrische Entwicklung halten das Album dennoch zusammen.

HEALTH METAL OHNE FALSCHE HEILIGENSCHEINE

Der große Verdienst des Albums liegt in seiner Haltung. RodtGod benutzt psychische Belastung nicht als schauriges Bühnenbild. Die Texte sprechen von Selbstzerstörung und Suizidgedanken, richten den Blick aber immer wieder auf Überleben, Verarbeitung und veränderte Perspektiven. Das geschieht ohne Heilsversprechen. Manche Wunden schließen sich nicht vollständig, manche Antworten kommen zu spät, manche Wolken bleiben.

Genau deshalb funktioniert die positive Absicht hinter dem hässlichen Klang. Die Platte behauptet nicht, dass ein schweres Riff Probleme löst. Sie zeigt, wie Kunst einen Raum schaffen kann, in dem Schmerz eine Form bekommt, Widersprüche ausgehalten werden und sogar absurder Humor wieder möglich wird. Das ist der eigentliche Kern von Health Metal.

C. gelingt zudem eine beachtliche Ein-Mann-Leistung. Zwölf Stücke, mehr als eine Stunde Spielzeit, mehrere stilistische Ebenen und ein durchgängiger thematischer Bogen werden ohne externe Banddynamik zusammengeführt. Einige Straffungen hätten die Wirkung noch erhöht, und die Produktion könnte den Gitarren stellenweise mehr Vordergrund gönnen. Trotzdem überwiegt der Eindruck eines eigenständigen Albums, das seine Unvollkommenheiten nicht versteckt, sondern in seine Aussage integriert.

FAZIT:

»Tales From Beyond The Tomb« ist ein dunkles, persönliches und ungewöhnlich bewegliches Doom-Album, das Sludge-Schwere, Death-Metal-Growls, melodische Gitarren und schwarzen Humor zu einer klar erkennbaren eigenen Sprache verbindet. RodtGod verwandelt Verlust, Selbstzweifel und innere Isolation in schwere Songs, deren Blick trotz aller Abgründe immer wieder nach einem gangbaren nächsten Schritt sucht. Der gesangszentrierte Mix, einzelne weniger überzeugende Clean-Vocal-Passagen und die lange Spielzeit verhindern den vollständigen Durchmarsch, doch Atmosphäre, Bassfundament, Dynamik und lyrische Konsequenz tragen das Werk sicher über diese Schwächen. Und wer nach elf Kapiteln emotionaler Schattenarbeit noch eine Entenbeschwörung vor dem Weltraummolch unterbringt, hat den eigenwilligen Charakter seines Projekts endgültig gefunden.