Mit Canvas haben MORS VERUM eines der eindrucksvollsten Extreme-Metal-Releases des Jahres 2026 vorgelegt. Tief im Death Metal verwurzelt und zugleich von progressiven Strukturen geprägt, entfaltet sich das Album als dichtes, vielschichtiges Klanggefüge aus Polyrhythmen, wechselnden Perspektiven und sorgfältig kontrollierter Intensität. Trotz seiner Komplexität verliert Canvas nie die Orientierung – im Gegenteil: Das Album lädt zu wiederholtem Hören ein und offenbart dabei immer neue Details und Zusammenhänge. Wir wollten mehr über den kreativen Prozess, die Denkweise und die langfristige Vision hinter diesem bemerkenswerten Werk erfahren und sprachen dafür mit Mrudul Kamble von MORS VERUM.
Kamble: Zunächst einmal: Danke, dass wir hier sein dürfen! Was den kreativen Prozess betrifft, bin ich der primäre Songwriter. Ich entwickle Songideen, das Grundgefühl, grobe Drum- und Bassparts sowie die Songstrukturen, und dann versucht die Band, das gemeinsam zu jammen. Wenn wir im Jam einige Ideen weiterentwickeln, entscheiden wir, ob wir sie behalten oder verwerfen – je nachdem, was sich für den Song richtig anfühlt. Anschließend schicken wir Demoaufnahmen an unseren Sänger (Lyndon), der dann Konzept und Texte ausarbeitet. Danach suchen wir ein geeignetes Studio, um das Material live „off the floor“ einzuspielen und aufzunehmen. Ich mische das Ganze nach meinem Geschmack, da ich eine recht klare Vorstellung davon habe, wie es klingen soll. Zum Schluss schicken wir alles zum Mastering an Topon Das von Fuck the Facts (eine meiner Lieblingsbands).
Glückwunsch zur Veröffentlichung von Canvas. Es ist ein außergewöhnliches Album mit einer sehr eigenständigen Identität. Wie fühlt es sich an, jetzt, wo es endlich draußen ist und nicht mehr nur euch gehört?
Danke! Wir sind natürlich extrem begeistert, dass es draußen ist, und sehr dankbar zu sehen, wie Fans und Hörer das Album genießen und es tatsächlich so verstehen, wie wir es gedacht haben. Dafür können wir uns gar nicht genug bedanken. Auf der anderen Seite war es ein sehr langer Weg bis zur Veröffentlichung. Insofern sind wir jetzt auch froh, endlich weiterziehen und uns wieder dem Songwriting widmen zu können.
Eure Musik ist eindeutig Death Metal, doch progressive Strukturen spielen eine zentrale Rolle darin, wie sich Canvas entfaltet. Ihr beschreibt MORS VERUM oft einfach als Death-Metal-Band – empfindet ihr das Label „progressiv“ als irreführend, einschränkend oder schlicht überflüssig? Ist „progressiv“ eine Bezeichnung, gegen die ihr euch bewusst wehrt, oder etwas, worüber ihr gar nicht nachdenkt?
An diesem Punkt ist es uns eigentlich egal. Wir sind in unseren Teenagerjahren mit Opeth, Porcupine Tree und Dream Theater aufgewachsen. Gleichzeitig hatten wir Lamb of God und Megadeth. Ich glaube, egal was wir schreiben, diese Bands haben unser Fundament auf sehr tiefer Ebene geprägt. Es gibt so viele Megadeth-Songs, die man problemlos als „progressiv“ bezeichnen könnte, trotzdem gelten sie als Thrash-Metal-Band. Also ja, es spielt keine große Rolle. Man sollte einfach das schreiben, was sich gut anhört, wenn man es selbst wieder hört. Deshalb kann diese Bezeichnung durchaus irreführend sein – gerade heute mit all den Subgenres.
MORS VERUM ist eine internationale Band mit Mitgliedern aus Indien, den USA und Kanada – dennoch wirkt die Musik nie im oberflächlichen Sinne „globalisiert“. Sie klingt fokussiert und geschlossen, mit einer sehr klaren eigenen Stimme. Welche musikalischen Einflüsse haben Canvas geprägt, und wie bewusst setzt ihr euch überhaupt mit dem Thema Einfluss auseinander?
Lasst uns das ein für alle Mal klarstellen: Wir sind keine internationale Band. Wir sind Kanadier. Wir leben alle in Fahrdistanz zueinander und lieben unseren Double Double. Ja, es stimmt, dass Lyndon (Gesang) eine Zeit lang in den USA gelebt hat, als wir unsere erste EP geschrieben haben. Und ich bin vor langer Zeit aus Indien migriert. Aber das gehört zu unserer entfernten Vergangenheit. Der wichtigste Einfluss daraus ist, dass wir auch mit interessanter indischer Musik in Berührung gekommen sind (nicht Bollywood). Das hat uns geholfen, selbst zu beurteilen, welche Klänge in einer musikalischen Schöpfung gut zusammen funktionieren.
Gibt es Inspirationen außerhalb des traditionellen westlichen Metal – oder versteht ihr MORS VERUM als einen neutralen Raum, der bewusst kulturelle Marker vermeidet und stattdessen auf eine rein musikalische Sprache setzt?
Ja, die meisten unserer Einflüsse liegen tatsächlich außerhalb des traditionellen westlichen Metal. Wir entdecken einfach gerne Klänge, die gut funktionieren und sich frisch anfühlen. Und genau das übertragen wir auf unsere Musik. Einige unserer größten Einflüsse außerhalb des Metal im Hinblick auf das Songwriting sind: Bon Iver, Blockhead, Nujabes und Emancipator. Das heißt aber nicht, dass wir traditionellen westlichen Metal ausschließen – gute Musik ist gute Musik, und wenn sie aus diesem Bereich kommt, nehmen wir sie mit offenen Armen an. Man kann es also einen neutralen Raum nennen, in dem alles möglich ist, solange es aus einem authentischen Impuls heraus entsteht.
Der multinationale Aspekt der Band ist kein Konzept, sondern gelebte Realität. Wie wirkt sich geografische Distanz auf Komposition, Vertrauen und Entscheidungsfindung innerhalb der Band aus? Wie entwickeln sich Ideen typischerweise zu fertigem Material?
Nein, es gibt zwischen uns keine Distanz, wie bereits erwähnt. Ich bin einfach sehr dankbar, dass mir die Band beim Songwriting und bei den Strukturen vertraut. Und ich muss sagen, ich habe großes Glück, Mitglieder zu haben, die meiner musikalischen Richtung folgen und meine Vision unterstützen. Ideen werden der Band meist in Form von fertigen Demos präsentiert. Sie verinnerlichen das Material und üben es. Danach probieren wir es gemeinsam im Proberaum aus.
Ist Distanz eher ein Schutzraum – der ruhige Analyse und Reflexion ermöglicht – oder ein Hindernis aufgrund fehlender physischer Reibung? Gibt es Momente, in denen es für Musik dieser Komplexität essenziell ist, im selben Raum zu sein?
Sobald alle Demos verinnerlicht und einstudiert sind, spielen wir die Songs so, als würden wir live spielen. Auf diese Weise entstehen einige schöne, ungeplante Momente, die wir versuchen, in die finale Produktion des Albums einzubauen. Ja, das hilft definitiv dabei, Songs fokussierter zu schreiben, anstatt im Songwriting-Prozess drei weitere Inputs ohne klare Struktur zu haben.
Eure Musik ist extrem komplex, kippt aber nie ins Chaotische. Wo ziehst du persönlich die Grenze zwischen Komplexität und Überforderung?
Das hängt davon ab, wo diese Grenze liegt, wenn ich mir die Songs wieder anhöre. Und wir bleiben in diesem Moment genau dieser Grenze treu.
Gibt es Momente, in denen ihr Riffs oder Strukturen bewusst etwas „unverfeinert“ lasst? Müsst ihr euch manchmal bremsen, oder denkt ihr eher in Spannungsbögen als in traditionellen Songstrukturen und -längen?
Das hängt immer davon ab, wohin der Song uns führen will. Dem müssen wir treu bleiben. Wir denken dabei oft ans Kochen. Manchmal funktionieren Eier mit nur Salz und Pfeffer am besten, und manchmal will man ein Soufflé-Omelett mit Schnittlauch obendrauf. Die eigentliche Herausforderung ist es, die Balance zwischen beidem zu finden. Und das gelingt, indem wir ehrlich zu dem bleiben, was wir empfinden, wenn wir es uns anhören. Wenn sich etwas überladen anfühlt, dann bremsen wir uns entsprechend. Gerade beim Schlagzeug gibt es schnell die Tendenz, einfach alles reinzupacken. Das mögen wir nicht – wir wollen so simpel wie möglich anfangen und dann entscheiden, was der Song wirklich braucht.
Ein auffälliger Aspekt von Canvas ist seine Virtuosität ohne Angeberei. Wie bewusst ist diese Balance? Versucht ihr aktiv, den „Show-off“-Aspekt zu vermeiden, der oft mit technischem Extreme Metal verbunden wird?
Für manche bedeutet „Extreme Metal“ Geschwindigkeit und Technik, für andere Schwere, für wieder andere, sich komplett an den äußersten Rändern von Musik zu bewegen. Für uns sind wir authentisch gesehen in keiner Weise „extrem“ – das ist einfach ein weiteres Label der Musikindustrie, um Musik zu kategorisieren oder zu beschreiben. Früher hielten manche Leute Slipknot für Extreme Metal, also ja, das bedeutet letztlich nicht viel. Wir „zeigen“, was wir können, nur dann, wenn der Song es verlangt. Nicht mehr und nicht weniger.
Ist technische Präzision für euch in erster Linie ein Ausdrucksmittel oder einfach eine Voraussetzung? Und letztlich: Für wen schreibt ihr diese Musik – für euch selbst und die Freude am Spielen oder für den Hörer und das Erlebnis des Zuhörens?
Nicht wirklich. Technische Präzision hat sich einfach ergeben, als wir als Teenager unsere Instrumente gelernt haben, weil wir nicht von der Bühne ausgebuht werden wollten. Wie viele von euch alten Metalheads wissen, war das Publikum vor zehn Jahren nicht leicht zufriedenzustellen, also mussten wir sicherstellen, dass Technik und Performance so tight wie möglich sind. Dafür bin ich diesen harten Publika dankbar, denn sie haben uns zu präzisen Musikern gemacht. Danach ging es einfach um die pure Freude, Riffs zu spielen und etwas aus dem Nichts zu erschaffen, das das Publikum auf eine sehr surreale Weise trifft. Als Gitarrist haben alte Lamb-of-God-Alben genau das mit mir gemacht, und ich wollte diese Energie an Metalheads zurückgeben – mit Riffs, die Spaß machen zu spielen, und Songs, die etwas in dir auslösen.
Canvas wirkt stellenweise fast fragmentiert, mit ständig auftauchenden neuen Ideen – und am Ende fühlt sich trotzdem alles geschlossen und zielgerichtet an. Wie haltet ihr bei so dichten Kompositionen den Fluss aufrecht? Gibt es ein „inneres Tempo“ oder eine innere Logik, die die Musik jenseits formaler Strukturen lenkt?
Es gibt immer einen inneren Puls, der läuft. Dem müssen wir treu bleiben. Dieser innere Puls bezieht sich nicht nur auf Tempi, sondern auf alle anderen Aspekte unserer Musik – Rhythmus, Melodien, Spannungsaufbau und -auflösung usw. Wir müssen einfach sicherstellen, dass wir ihm folgen und dem Prozess sowie dem Universum vertrauen, dass am Ende etwas entsteht, das man sich gerne anhört.
Wenn ihr an neuem Material arbeitet: Wie verhalten sich Erwartungen und künstlerische Freiheit innerhalb der Band zueinander? Bei einem so klar definierten und komplexen Sound – gibt es jemals die Sorge, euch zu wiederholen?
Nein, darüber machen wir uns keine Sorgen. Wir stellen uns einfach vor, wie wir selbst live auftreten, und entscheiden dann, was funktioniert und was das Live-Erlebnis langweilig oder öde machen könnte. Das ist natürlich sehr subjektiv, also vertraue ich mir dabei selbst, die Band folgt dem glücklicherweise, und bisher hat das für uns sehr gut funktioniert.
Wir haben auf Canvas starke Elemente von Jazz und experimentellem Denken wahrgenommen, verbunden mit einer klaren Freude am Erkunden. Beim Hören des Albums hat man das Gefühl, dass hier Musiker wirklich Spaß am Prozess haben. Ist das ein zutreffender Eindruck – oder klingt die Musik nur spielerisch, während sie in Wahrheit sehr kontrolliert ist?
Für diese Veröffentlichung habe ich bewusst viele Stellen für Improvisation offengelassen, damit wir als Band wirklich andere Bereiche erkunden können – aber innerhalb des Rahmens eines größeren Gesamtbildes des jeweiligen Songs.
Mit Blick nach vorne: Seht ihr MORS VERUM als langfristiges, kontinuierliches Projekt oder eher als eine Konstellation, die existiert, wenn alle kreativen Bedingungen zusammenpassen?
Ja, es ist definitiv ein langfristiges Projekt, aber es hängt davon ab, wo jeder von uns gerade in seinem persönlichen Leben steht. Ich werde unabhängig davon weiterschreiben, und wir werden es wieder möglich machen. Dieser Wunsch ist noch nicht verschwunden.
Müssen zukünftige Veröffentlichungen „noch komplexer“ werden, oder ist das für euch gar kein sinnvolles Ziel? Habt ihr Vorstellungen, wohin sich MORS VERUM entwickeln könnten – oder vermeidet ihr bewusst, in solchen Kategorien zu denken?
Nein, so denken wir bewusst überhaupt nicht. Das ist sehr einschränkend und ehrlich gesagt deprimierend, wenn man diesen Weg einschlägt. Wir sollten Spaß haben. Vor allem, weil wir alle wissen, dass man in der heutigen Phase der Menschheitsgeschichte mit Musik ohnehin nicht seinen Lebensunterhalt bestreiten kann.
In der Vergangenheit gab es Live-Aktivitäten der Band, derzeit wirkt MORS VERUM aber stärker wie ein studioorientiertes Projekt. Ist das Absicht? Plant oder erwägt ihr Live-Auftritte aktiv?
Wir haben bereits zahlreiche Liveshows gespielt und haben vor, dieses Jahr noch viele weitere zu spielen.
Zum Abschluss gehören die letzten Worte euch – gibt es etwas, das ihr noch hinzufügen, betonen oder mit Hörern und Lesern teilen möchtet?
Danke, dass ihr euch die Zeit nehmt, uns kennenzulernen, das schätzen wir sehr. Und vor allem dafür, dass ihr unsere Musik so genießt, wie wir sie gedacht haben. Unterstützt gute lokale Underground-Künstler.
Cheers!
