„Creative Destruction“ fühlt sich nach mehr an als nur einer neuen EP — sie wirkt fast wie eine düstere konzeptionelle Warnung vor Technologie, Kreativität und Kontrolle. Was war der erste Funke hinter dieser Veröffentlichung?

Ich wollte versuchen, meine Musik in eine etwas andere Richtung zu lenken als bei meinen bisherigen Veröffentlichungen. Ehrlich gesagt fühlte ich mich als Underground-Künstler, der ständig versucht, gehört zu werden, entmutigt. In letzter Zeit war ich von den ganzen Diskussionen und Inhalten rund um KI überwältigt — inzwischen noch stärker im musikalischen Bereich. Einige der Dinge, die ich sehe, von der Kunst bis zur Musik, sind offen gesagt beängstigend. Nicht, dass ich glaube, sie könnte echte Künstler wirklich ersetzen, aber sie macht es in einem ohnehin schon übersättigten Markt definitiv noch schwerer, gesehen und gehört zu werden. All diese Gedanken haben die ursprüngliche Entstehung dieser Geschichte angetrieben.

Die EP behandelt KI und ihre Auswirkungen auf unabhängige Künstler. Als jemand, der schreibt, performt, aufnimmt und seinen eigenen Sound formt: Wo ziehst du persönlich die Grenze zwischen Technologie als Werkzeug und Technologie als Bedrohung?

Es hängt wirklich davon ab, was wir als Gemeinschaft zulassen und akzeptieren. Glaube ich, dass sie ihren Nutzen hat? Natürlich. Ich glaube aber auch, dass sie ein zweischneidiges Schwert ist. Es gibt Menschen, die Eingaben in ein Programm tippen, komplette Alben erstellen, diese auf Streaming-Plattformen veröffentlichen und damit Geld verdienen — ganz ohne musikalisches Talent oder Fähigkeiten. Das fällt mir persönlich manchmal schwer zu akzeptieren, als einer von Tausenden Künstlern da draußen, die einfach versuchen, etwas zu erschaffen und dafür gehört zu werden, wer sie sind — und nicht für einen Prompt.

„We Are The Dark“ eröffnet die EP mit einer sehr filmischen, finsteren Atmosphäre. Hast du diesen Track zuerst um das Riff herum aufgebaut, oder war die gesamte Klanglandschaft — die Synths, die Dunkelheit, die industrielle Spannung — bereits Teil der ursprünglichen Vision?

Da ich in erster Linie Gitarrist bin, beginne ich normalerweise immer mit dem Riff. Trotzdem waren der musikalische Stil und die Begleitelemente definitiv Teil der ursprünglichen Absicht und des Designs, mit dem ich jeden dieser Tracks formen wollte. Ich hatte einen bestimmten Sound und Stil im Kopf, um den Ton dieser Geschichte zu setzen, und ich bin sehr zufrieden damit, wie es geworden ist.

Der zweite Track trägt offiziell den Titel „Welcome Death“ und scheint sich mit Sucht, inneren Stimmen und der zerstörerischen Suche nach dem nächsten Rausch zu beschäftigen. Wurde er als persönliche Metapher geschrieben, als gesellschaftliche Beobachtung oder als Teil der größeren KI-Erzählung der EP?

Die beste Antwort darauf ist: Ja, haha — alles davon. Ich schreibe häufig mit vielen Metaphern und lasse auch ein Stück meiner eigenen persönlichen Gefühle und Erfahrungen einfließen. Alle drei Tracks — vom Titel jedes einzelnen Songs über ihre Reihenfolge auf der EP bis hin zu jedem Wort — spielen eine bestimmte Rolle in der Geschichte und dem Konzept, das ich hier geschaffen habe. Ich gebe nicht gern zu viele konkrete Details preis und finde es viel spannender zu hören, was andere darin entdecken und aus dem Track mitnehmen.

„No Way Out“ fühlt sich wie der endgültige Zusammenbruch der EP an — stärker geprägt von elektronischer Atmosphäre, aber immer noch getragen von wuchtigen Gitarren und einem starken Metal-Fundament. War es deine Absicht, dass dieser Song der Punkt ist, an dem die Geschichte hoffnungslos wird?

Ja. Vom Songtitel bis hin zu seiner Position als letzter Track der EP war geplant, dass er die Akzeptanz dessen darstellt, wo wir alle gelandet sind — als Ergebnis unserer Abhängigkeit von dieser Technologie.

Du hast vor dieser EP Songs wie „Dead Silence“, „Dance With Your Demons“ und „Witnessing Rebirth“ veröffentlicht. Wenn du auf diese Tracks zurückblickst: Siehst du „Creative Destruction“ als Fortsetzung deiner früheren Arbeit oder als echten Wendepunkt?

Ich habe das wirklich als Wendepunkt empfunden. All meine frühere Arbeit entstand aus einem anderen mentalen Raum heraus, in dem ich mich damals befand. Wo ich mich heute wiederfinde, spiegelt diese EP diese Kämpfe stärker wider. Um auf meinen ausgiebigen Einsatz von Metaphern und Easter Eggs zurückzukommen: Selbst der EP-Titel „Creative Destruction“ sprach nicht nur darüber, was KI tut, sondern deutete vielleicht auch auf meine eigene kreative Zerstörung hin. Ich frage mich oft, welchen Sinn diese Veröffentlichungen, diese Schöpfungen überhaupt haben, wenn sie nur auf taube Ohren stoßen oder von einem Prompt in einem Programm überschattet werden.

„Rooted In Blood“ erhielt Aufmerksamkeit für seinen progressiven und aggressiven Metal-Charakter. Was hat dich dieser Song darüber gelehrt, technisches Gitarrenspiel mit emotionalem Storytelling in Einklang zu bringen?

Ich habe es wirklich genossen, diesen Track zusammenzustellen, besonders wegen der Gitarrenarbeit. Ich neige immer dazu, mich auf das Riff zu stützen und den Song selbst interessant und spaßig zu machen, bevor ich überhaupt darüber nachdenke, welche Gesangslinien daraus entstehen könnten. Ich habe das Gefühl, dass in heutigen Produktionen vieles davon verloren geht, weil Gitarrenarbeit oft zu stark vereinfacht wird. Da ich mit Bands wie Testament, Evergrey und Nevermore aufgewachsen bin, war ich immer darauf fokussiert, wie viel diese Gitarristen tatsächlich gemacht haben. „Rooted In Blood“ zu veröffentlichen, hat mir gezeigt, dass es da draußen immer noch Menschen gibt, die genau das genauso schätzen.

Dein Katalog bewegt sich häufig zwischen modernem Metal, Industrial-Elementen, alternativer Schwere, progressiven Strukturen und traditionellerer Thrash- oder Heavy-Metal-Energie. Gestaltest du diese Mischung bewusst, oder entsteht sie ganz natürlich während des Schreibprozesses?

Das ist mir selbst auch aufgefallen. Ich hatte oft Schwierigkeiten damit zu akzeptieren, dass mein Songwriting — sagen wir — so „vielfältig“ ist. Jedes Mal, wenn ich einen Track mache, weiß ich nie genau, in welches spezifische Genre ich passe, von den übermäßig vielen, die es in der Metal-Community gibt. Ich hatte beim Aufwachsen so viele einflussreiche Bands, und sie alle haben einen Teil dazu beigetragen, mein Schreiben zu formen. Ich versuche nicht bewusst, meine Tracks stilistisch so unterschiedlich zu gestalten — so schreibe ich einfach. Ich spiele ein Riff, spüre, dass ich daraus etwas machen kann, und folge dann dem Weg, auf den es mich führt. Beim Schreiben bin ich einfach ich selbst, und was mich früher daran gestört hat, ist heute etwas, auf das ich stolz bin.

Mit Rival Order, besonders mit Material wie „Beyond The Ashes“, „Next In Line“, „Revenant“ und „Darkside Demon“, hast du in einem kollaborativeren Bandumfeld gearbeitet. Wie unterscheidet sich deine Denkweise, wenn du für Joey Rival schreibst, im Vergleich zum Schreiben für Rival Order?

Ich folge im Grunde immer noch größtenteils meiner Art zu schreiben: Das Riff ist das Fundament, und ich schaue, wohin es führt. Aber ich habe oft Raum für die anderen Beteiligten gelassen, damit sie ihre Kreativität und Ideen einbringen konnten, um den Track zu erweitern und zu verbessern. Ich denke, das hat dazu geführt, dass jeder Song wirklich voll und vielfältig geworden ist.

Du hast mit Namen wie Chris Clancy, Dirk Verbeuren und Rich Gray gearbeitet, während du gleichzeitig eine sehr persönliche Solo-Identität aufgebaut hast. Was hat dich Zusammenarbeit gelehrt, das du bis heute in dein selbstbetiteltes Projekt mitnimmst?

Mit diesen Jungs arbeiten zu dürfen, war eine große Freude und hat mir die Augen für echten Professionalismus bei sehr talentierten und erfahrenen Künstlern geöffnet. Chris konnte meine Texte und minimale Vorgaben nehmen und jedes Mal Perfektion zurückschicken. Ihn als Stimme für Rival Order zu haben, war genau das, was ich für den Sound im Kopf hatte, nach dem ich gesucht habe. Dirk und Rich — Mann, ihnen einen Track zu schicken und zu sehen, wie schnell sie solch hochwertige Performances zurückschicken, hat mich umgehauen. Der Vergleich zur Arbeit mit dem „local guy“ hat sehr deutlich gemacht, warum sie sind, wer sie sind.

Vielen Dank, dass du dir die Zeit genommen hast, unsere Fragen zu beantworten. Die letzten Worte gehören dir: Gibt es etwas, das du direkt an deine Hörer, Unterstützer und alle richten möchtest, die Joey Rival durch „Creative Destruction“ entdecken?

Danke, dass ihr meiner Kunst und meinen Geschichten zuhört. Musik bedeutet mir seit sehr jungen Jahren unglaublich viel und wird es immer tun. Mich durch Musik ausdrücken zu können, meine rohen Gedanken, Kämpfe und Emotionen zu zeigen — und zu erleben, dass das gehört wird und bei Menschen Resonanz findet — bedeutet mehr, als Worte ausdrücken können. Unterstützt weiterhin Underground- und aufstrebende Talente. Es gibt so viel davon da draußen, das viel mehr Aufmerksamkeit verdient, als es bekommt. Ich bin wirklich dankbar für alle, die mich auf meinem Weg unterstützt haben oder jetzt gerade erst dazukommen. Danke!

JOEY RIVAL – Interview
Fotocopright: DRM Productions